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Quand parait "Clutching At Straws" en 1987, la question qui se lit sur les lèvres des nombreux fans et journalistes de la presse spécialisée est de savoir si Marillion sera capable de réitérer voire de surpasser le tour de force que fut "Misplaced Childhood" leur précédent album considéré à juste titre comme étant un chef-d’œuvre absolu. Excellemment produit par Chris Kimsey qui officiait déjà, avec la réussite que l'on sait, sur "Misplaced Childhood", ce quatrième album du groupe est enregistré dans un contexte compliqué, dans une ambiance tendue entre Fish et le reste du groupe. En résulte un album beaucoup plus sombre, plus violent, plus mélancolique que ce à quoi nous avait habitué Marillion jusqu’à présent si ce n’est sur le magistral "Fugazi". Torch, le double fictif que crée Fish pour l’écriture des textes, va permettre à ce dernier bien mal en point d’exorciser ses propres démons sans oublier pour autant d’aborder d’autres thèmes graves et engagés. Malgré ou grâce à cette tension qui règne en studio, la grande richesse des textes de Fish est transcendée par des compositions toutes plus merveilleuses les unes que les autres et par une interprétation sans faille. Du sublime triptyque "Hotel Hobbies/Warm Wet Circles/That Time Of The Night" qui ouvre l’album jusqu’au grandiose "The Last Straw" qui le conclut, "Clutching At Straws" n’est qu’émotion, rage, fragilité, délicatesse, diversité, intensité, génie et classe pour le plus grand bonheur de votre humble serviteur. Comment ne pas tomber en pamoison devant la feinte légèreté des géniales "Incommunicado" et "Just For The Record" ? Comment arriver à retenir ses larmes face à la détresse des bouleversantes "Going Under" et "Sugar Mice" ? Comment rester infaillible à l’écoute de l’émouvante "Torch Song" ? Est-il possible de résister longtemps à la puissance du riff de la fabuleuse et classieuse "Slaìnte Mhath" ? Peut-on envisager de ne pas être envahi par une violence et une rage intérieures face au constat amer et acerbe de la prodigieuse "White Russian" ? À toutes ces questions, je réponds non. En 2027, "Clutching At Straws" fêtera ses quarante ans et depuis sa sortie initiale, cet ultime album enregistré avec Fish au micro exerce sur moi une fascination intense et une émotion à fleur de peau qui jamais ne se démentent. Avec cet exceptionnel "Clutching At Straws", Fish, Steve Rothery, Mark Kelly, Ian Mosley, Pete Trewavas et Chris Kimsey ont enrichi la très belle discographie de Marillion d’un nouveau chef-d’œuvre. Une page allait se tourner, les routes allaient se séparer. Marillion allait recruter la perle rare et Fish allait débuter une aventure en solo certes semée d’embûches mais forte de fulgurances musicales et discographiques. Le meilleur des deux mondes en ce qui me concerne.
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Ma note n'est que de 3/5 car je ne suis pas très adepte d'un éloignement du style prog-rock, le virage pris ici m'ayant déçu. D'autant que cet album n'est plus dans la filière née avec "Hand.Cannot.Erase" et glorieusement magnifiée avec "The Raven That Refused To Sing" tellement somptueux. Cependant, je conteste l'avis de THIBAUTK, que je trouve très largement excessif et passablement creux. Les gouts ne se discutent pas mais il faut éviter la mauvaise foi.
Cet album ne peut pas être critiqué au sujet de la qualité de son inspiration pas plus que pour les talents déployés dans son exécution. Je ne me suis pas attaché aux textes, le style pop ne m'y incitant carrément pas. Mais pour ce qui est de la musique, la composition est soignée, presque léchée tellement elle est incisive tout en offrant une variété de ton d'un titre à l'autre. Toujours de belles trouvailles et de la virtuosité, notamment de beaux solos de guitares qui font une signature bien reconnaissable. Cet album s'écoute donc avec aisance et confort, sans éprouver de sombres sensations comme cela arrive en nombre sur les précédents, sans pour autant être dénuées d'émotions. C'est enlevé, percutant, parfois joyeux, parfois très pop (trop pour moi... Permanating en est le parfait exemple), toujours très écoutable et (je dois l'avouer) enthousiasmant. Les voix sont agréables, porteuses et délicates. Parfois j'ai l'impression d'une sorte d'AOR "de luxe", ceci dit sans aucune connotation péjorative, bien au contraire. Pas de progressif donc, mais de la très bonne musique, abordable pour tous et qui s'écoute en toute circonstance.
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Le Neal Morse Band sort ici son meilleur album, et en donnant plus de place à ces compères très talentueux, permet à Neal Morse de sortir de sa zone de confort.
Même si évidemment le style Neal Morse est reconnaissable, cela reste son groupe, il se met bien plus en retrait que sur ces albums solos avec beaucoup plus de passages uniquement musicaux et en laissant sa place au chant à Bill Hubauer et Eric Gillette à certains moment.
La touche de Mike Portnoy est reconnaissable sur certaines partie, ainsi que celle d'Eric Gillette.
Connaissant peu le travail de Bill Hubauer, difficile à dire s'il a apporté sa touche, mais certains passage au clavier sont très loin de ce que propose Neal Morse habituellement, donc c'est également fort possible.
Un excellent concept album, chaque morceaux est excellent, on l'écoute et le réécoute avec beaucoup de plaisir et d'émotions.
Sans doute un des top album de rock progressif de cette année.
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Je comprends la note donnée par Music Waves de 3/5 mais je ne la partage pas.
Je comprends que quelquefois on puisse avoir une légère indigestion à force de se manger des albums de Mister Morse. Pensez donc qu'il a sorti un disque sous le nom de Cosmic Cathedral en mai 2025. Il réitère moins d'un an après avec ce disque de NMB et devrait sortir dans les mois qui viennent un nouvel album avec The Resonance. Et, il faut bien l'avouer, toutes les sorties du monsieur ne sont pas extraordinaires et l'étonnement se fait rare à l'écoute des nouveaux travaux du bonhomme.
Pourtant ce L.I.F.T m'a beaucoup plu. Déjà ce n'est pas un double album même si on va se prendre plus de 70 minutes de musique tout de même.
Et l'ensemble est particulièrement cohérent et structuré, beaucoup plus que le "Innocence & Danger". Il n'y a pas trop de morceaux ultra longs hormis le final de 11 minutes. L'album est aussi aéré par quelques courts instrumentaux. Les musiciens sont évidemment brillants, notamment un Eric Gillette qui délivre de magnifiques solos de guitare.
Il n'y a aucun morceau mauvais ou moyen même si chacun aura ses préférences selon ses goûts. Les morceaux sont souvent variés, ce qui rend l'écoute plaisante. Enfin le tout est servi par une production en béton.
Alors bien sûr il n'y a pas beaucoup d'innovations ni dans la musique ni dans les thèmes. On pourra même reconnaître aisément certains gimmicks de composition de Neal Morse mais il ne s'auto-plagie pas. Enfin, je ne le crois pas. Pour autant, il y a quelques petites idées différentes ici ou là venant probablement des autres musiciens et qui réveillent l'intérêt. En tout cas, même sans évolution flagrante, même si ce L.I.F.T n'est pas un chef d'oeuvre, il est excellent selon moi. Et un excellent album de The Neal Morse Band, cela vous atomise la concurrence !
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Cet album est juste énorme, que ce soit au niveau des compositions assez Metal (assez soft), au niveau du chant parfait, et de la production. Je précise que c'est une chanteuse à la voix splendide qui officie derrière le micro et que à ce jour c'est pour moi le meilleur album du groupe. C’est français et c’est à découvrir absolument !
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Big Big Train est devenu un très grand groupe. Depuis 2009, il a évolué pour devenir un incontournable du prog dont chaque sortie d'albums est attendue avec impatience. Après un " The Likes Of Us ", que je considère comme l'une de leurs meilleures réalisations, je trouve Woodcut un peu en deçà. Attention, cela reste un excellent album, mais autant certains titres sont toujours aussi beaux, mélodiques, avec des arrangements subtils et un équilibre parfait entre les instruments, et des harmonies vocales (nouveau point fort du groupe) à tomber, d'autres sont plus dispensables. Je pense à certains morceaux ou passages qui mettent en avant la technique ou des suites d'accords plus banals. Ça ne concerne qu'une minorité de titres, mais il n'y avait pas ces petites faiblesses dans l'album précédent. Alors évidemment c'est très subjectif, et d'autres apprécieront ces passages plus techniques qui donnent peut-être plus de diversité à l'ensemble. Mais personnellement je considère que l'ADN de Big Big Train, c'est avant tout la beauté des mélodies et des arrangements, une originalité aussi avec cette trompette rare en prog, et ce violon, moins rare, mais surtout une sorte d'émotion pure qui se dégage de cette musique qui nous emmène très loin. Rien de rédhibitoire, " Woodcut " reste un grand album de prog (ah ce mellotron !), à réécouter de nombreuses fois pour encore mieux l'apprécier.
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