En dénonçant notamment les systèmes financiers dans "F.E.A.R.", Marillion avait retrouvé une certaine forme d’engagement qu’on avait vu poindre déjà dans "Sounds That Can’t Be Made" (‘Gaza’) qui renouait avec la première vie du groupe (‘Forgotten Sons’). Si le projet du nouvel album n’était pas centré à l'origine sur la Covid, cette pandémie, qui a mis en lumière les failles des systèmes sanitaires voire politiques, a fini par rattraper l’inspiration des Anglais pour aboutir à ce nouvel album "An Hour Before It’s Dark".

Avec sa sensibilité et son expérience, Marillion, en témoin de l’ensemble de ces évènements, met en musique et fait partager son ressenti. L’album dans son ensemble renoue avec une dynamique et une fluidité qui avaient été un peu oubliées dans les précédentes parutions. Il assène d’emblée un titre quasi-colérique qui porte bien son nom (‘Be Hard On Yourself’) dans lequel la rythmique se fait plus rude avec dans les premiers rôles Ian Mosley musclant son jeu aidé par son acolyte Pete Trewavas à la basse vrombissante. Dans cette veine rugueuse, le titre s’inspire de ‘Gaza’ pour ses mouvements énergiques. Tout au long de ces presque dix minutes, Mark Kelly multiplie les textures et les ambiances et Steve Rothery fait un travail à la fois discret et remarquable de feeling.

Alors qu’on aurait pu craindre que le soufflé retombe aux premières notes de ‘Reprogram The Gen’ il n’en est rien ! Après quelques secondes d’accalmie, le morceau propose des atmosphères se rapprochant de ‘Afraid Of Sunlight’ voire des titres plus nerveux de "Brave". Et même si on retrouve des transitions abruptes telles que les affectionne le groupe, on se laisse facilement emporter par cet élan énergique dont on ne le croyait plus capable. Introduit par l’anecdotique ‘Only A Kiss’, le tube de l’album ‘Murder Machine’ -titre lumineux musicalement et paradoxalement dur dans le texte- semble créer une transition avec la seconde partie d’album beaucoup plus dense et apaisée.

A ce stade, on pourrait se dire que rien n’a changé chez Marillion qui ne fait que recycler son rock néo-progressif raffiné et sophistiqué teinté de pop. S’il est exact que le groupe roule sur une autoroute sans obstacle, on note dans cette seconde partie une fluidité accentuée dans ces trois longs derniers titres, accompagnée d'une forme de pudeur et de flegme britannique, jusqu’au chant, dans ce concept sociétal. ‘The Crown And The Nightingale’ surprend en étant le plus souvent murmuré. Steven Hogarth fait preuve d’une certaine mesure dans ses envolées, accentuant ainsi une sorte de tension dramatique qui transpire du morceau, grâce à des claviers aux mélodies d’une grande beauté et une guitare qui s’efface, tout en conservant une âme que seul Steve Rothery peut apporter. De la noirceur naît la lumière, avec des chœurs qui enjolivent la fin du morceau et introduisent un solo électrique déchirant.

‘Sierra Leone’ et ‘Care’ viennent conclure ce nouvel album. Du haut de leur dix et quinze minutes, ces compositions viennent ici comme si Marillion voulait rassurer par sa musique l’auditeur inquiet par la situation actuelle. ‘Sierra Leone’ fait preuve de délicatesse dans sa construction et semble ne pas vouloir brusquer l’auditeur. Il rejoint le point culminant émotionnel que pouvait constituer ‘Brave’. Le dernier est plus sombre avec tes textures plus électro et son riff diaboliquement efficace dans sa première partie. Les mouvements alternent comme souvent, moments d’accalmie sensibles avec passages lumineux et un final optimiste.